Por: Jorge Rodríguez
Un antifaz y una advertencia. «Si la experiencia le genera a alguien demasiada ansiedad, por favor levante la mano y veremos la posibilidad de retirarlo de la sala». Esa fue mi bienvenida al llegar a El77. Y como alguien que le rehúye a cualquier experiencia de terror que no se limite a taparse los ojos frente a una pantalla, me sentí inmediatamente alarmado. O, más bien, expectante. Pero hago caso: me coloco el antifaz, extiendo el brazo y alguien me conduce hasta mi lugar, en medio de quién sabe qué, quién sabe dónde. La oscuridad deja de ser una condición del foro para convertirse en mi única certeza. Y entonces, comienzan a escucharse lamentos y gemidos, como si un grupo de presencias espectrales nos recibiera en un territorio del que no conocemos absolutamente nada. Gradualmente, los sonidos adquieren nuevas formas y nos transportan a un universo lúgubre y siniestro, mientras intentamos reconocer lo que sucede sin tener acceso a una sola imagen.
En medio de una celda hundida en la humedad y la penumbra, un hombre espera su inminente ejecución, por un crimen del cual parece no tener intención de excusarse. Nuestro sujeto decide dejar constancia de los acontecimientos que lo llevaron hasta allí, y comienza a contarnos su historia. A través de su testimonio, conocemos la relación que mantuvo con los animales desde su infancia, su progresiva caída en el alcoholismo y la violencia que comienza a apoderarse de su vida. En el centro de este relato se encuentra Plutón, un gato negro por el que alguna vez sintió un profundo afecto y cuya presencia terminará por desencadenar una espiral de crueldad, culpa y degradación moral. Este es un relato sobre los límites de la conciencia humana y la oscuridad que puede esconderse detrás de una apariencia común y cotidiana.
Plutón es, para empezar, una propuesta osada. Esta experiencia teatral, basada en el cuento de Edgar Allan Poe, y bajo la dirección y adaptación de Luz Adriana Carrasco, construye un dispositivo sensorial que consigue trascender el artificio para convertirse en un interesante vehículo narrativo. A través de una estructura de flashbacks sucesivos, conocemos al protagonista desde distintos momentos de su historia: primero, sus últimos pensamientos en una celda; después, el juicio que lo condena y, finalmente, los acontecimientos que lo condujeron hasta allí. Esta composición de distintas capas narrativas organiza progresivamente la información y nos permite descubrir la naturaleza siniestra de un hombre cuya degradación moral se manifiesta a través de acontecimientos cada vez más atroces.
Uno de los mayores aciertos de la dirección está en la precisión con la que organiza el movimiento y la distribución espacial de los estímulos. Aunque invisibles para el público, los desplazamientos del elenco construyen una composición escénica de notable complejidad, que juega constantemente con la tensión y la incertidumbre. Las voces parecen desplazarse a nuestro alrededor, los contactos físicos desestabilizan nuestra percepción y los estímulos se suceden desde distintos puntos del espacio, creando una geografía incierta que nunca revela sus mecanismos. Cuesta no sentir, junto con la ansiedad, una ligera curiosidad por descubrir cómo este equipo consigue darle vida al relato sin recurrir a un solo estímulo visual. Y es precisamente esa coreografía de cuerpos, sonidos y acciones la que mantiene oculto el artificio y convierte al espectador en un participante particularmente sensible a cuanto ocurre a su alrededor.
Por otro lado, la adaptación conserva con notable fidelidad el relato de Edgar Allan Poe, trasladando el universo literario a una experiencia teatral que no solo le otorga dimensión, sino que potencia su carácter más oscuro. Y la narración en primera persona del protagonista hace que la experiencia se centre, no tanto en la transformación de un personaje, sino en el descubrimiento progresivo de su terrible naturaleza, oculta detrás de sus propias palabras.
El diseño sonoro de múltiples capas constituye uno de los pilares esenciales del montaje. Percusiones corporales y recursos vocales conviven con la inquietante musicalización de Nabí Garibay, compuesta de pulsaciones y zumbidos que intensifican la atmósfera de incertidumbre. Desde los chillidos de las ratas hasta los murmullos que reconstruyen la audiencia de un juicio, el sonido no solo genera ambiente, sino que delimita espacios, establece proximidades y da materialidad a las imágenes que surgen en la mente del espectador. En ausencia de referencias visuales, el montaje se permite llevar la experiencia auditiva a momentos de notable intensidad, capaces de provocar angustia y sobresalto.
Hay, sobre todo, una cualidad paradójicamente cinematográfica en este montaje. Las transiciones entre espacios y temporalidades, construidas mediante fade-ins y fade-outs sonoros, evocan recursos propios del lenguaje audiovisual. Las distintas intervenciones del elenco se distribuyen espacialmente, como si se tratara de diferentes planos, mientras los sonidos que acompañan el testimonio del protagonista parecen ilustrar sus recuerdos, superponiendo la narración con una representación sonora de los acontecimientos. El resultado es una suerte de escenografía mental, construida a partir de imágenes que organizan la experiencia en distintos planos narrativos, aun cuando prescinde por completo de la imagen en términos convencionales. Así, la propuesta ofrece los estímulos necesarios para comprender y habitar su universo narrativo, pero deja deliberadamente abierta su dimensión estética. De esta manera, cada espectador construye su propia representación del relato, otorgándole su forma, su luz y su color.
Y detrás de la precisión de este dispositivo escénico hay un trabajo colectivo que merece especial reconocimiento. Pocas veces se puede afirmar con semejante convicción que un elenco trabaja como una unidad. Y es que aquí, en verdad, resulta difícil identificar un trabajo actoral por encima de los demás, porque los integrantes de esta compañía están profundamente comprometidos al camuflaje. Despojados de rostro y de mirada, los actores y actrices se convierten en atmósfera, aire y tiempo. La oscuridad, que al principio parece amenazarnos, se vuelve nuestro propio traje de inmersión, ayudándonos a habitar un universo que, quizás, a plena luz nos resultaría mucho más distante. Con enorme paciencia, este elenco transforma aquella inquietud inicial, la que nos acompaña al entrar al foro, en gozo y estupor. Y esto no solo demuestra el enorme compromiso que tienen con la historia que cuentan, sino también con el cuidado y acompañamiento del espectador; una cualidad tremendamente aplaudible.
Al final, lo que para mí convierte a Plutón en una propuesta excepcional es su paciencia y perseverancia. La obra confía plenamente en sus recursos, sin apresurarse a provocar una reacción ni recurrir al jump scare o al shock value. Por el contrario, construye su universo con una delicadeza casi imperceptible, permitiendo que la inquietud, la curiosidad y el asombro encuentren su propio lugar.
Por eso, cuando finalmente llega el momento de retirar el antifaz y el espacio y el artificio se revelan ante nosotros, más que un descubrimiento, encontramos una reafirmación de su propia potencia. Detrás de aquella experiencia aparentemente intangible existe una composición escénica cuidadosamente articulada, un trabajo colectivo de enorme rigor y una singular capacidad expresiva. Y todo eso convierte a este montaje independiente en una oda, no solo al relato de Edgar Allan Poe y al teatro de terror, sino también a la capacidad del arte escénico para transformar imaginación en maravilla.
Plutón se presenta jueves, sábados y domingos en El77 Centro Cultural Autogestivo. Funciones hasta el 26 de noviembre. Boletos disponibles en taquilla y en Boletópolis.
*Ilustraciones originales realizadas por Carol García, inspiradas en la experiencia escénica de Plutón.